Ulf Langheinrich: Vortex

Sinopsis

Las bailarinas empiezan a moverse en una posición totalmente frontal y opuesta, ya desde el principio con un estado físico cercano al clímax, un estallido de compromiso profundo, que mantiene el nivel de energía alto durante los siguientes 30 minutos, presentándose como una experiencia física y sensual sin segmentos, un todo progresivo. Los movimientos de las bailarinas parecen entre casuales e involuntarios, retorciéndose entre sí con contracciones del pecho y la pelvis, solas y entrecruzadas/contrayendo los puños/estirando los miembros rápidamente, lo que resulta casi perturbador a la vista, pero agradable a la vez de una forma extraña. Es fundamental que ningún movimiento sea fingido.

El concepto coreográfico central es desarrollar los movimientos como verdaderos y honestos desde la propia energía interior de las bailarinas. Las referencias en un campo asociativo van desde una especie de baile a las cinco de la mañana en un local de música tecno apoyadas en la pared, en un estado de sedación pero elevado, o los primeros movimientos del bebé después del parto, hasta el otro extremo del espectro del movimiento, relativo al clímax sexual o incluso el ataque epiléptico. Enmarcados en esos patrones, pueden surgir momentos extraños de elementos seductores del K-pop. La estrategia coreográfica principal es el bucle que va cambiando de forma gradual el carácter de la danza.

De hecho, el punto más importante es una sincronización general claramente reconocible de los movimientos de las cuatro bailarinas. Supone una contradicción entre los movimientos que sugieren surgir de forma casual y libre o incluso fuera de control, mientras que obviamente son el resultado de una coreografía precisa y de unos ensayos posiblemente tediosos.

La luz en el escenario, la luz de las pantallas y la luz sobre los cuerpos está en un estado de oscilación permanente entre ondas lentas y pulsos rápidos, entre el blanco y el negro.

más allá del cuerpo

Al final de la primera parte, las cuatro planchas verticales desaparecen.

En un proceso de síntesis granular en tiempo real, los rostros de las bailarinas se separan o se entrelazan y se proyectan como una gigantesca cabeza tridimensional en una desintegración similar a un ataque. Finalmente, el rostro se va disolviendo cada vez más por medio de fotogramas negros de vídeo insertados (sin proyección) y fotogramas blancos (sin imagen) y va desapareciendo igualmente de forma gradual en la tercera parte.

más allá de la imagen

La «última» Parte se desarrolla más allá del enfoque evidente de la proyección de imágenes, pero se mueve en las fronteras de la percepción. El viaje desde la danza/el cuerpo hasta el movimiento virtual del rostro ha llegado en un estado de puros patrones de luz.

Esta parte deriva de la investigación estética de obras como HEMISPHERE, LOST y NIL, y trata sobre las imágenes interiores creadas por patrones de luz pura estroboscópica. Estos patrones salen de la pantalla de proyección, que ahora funciona como espejo para la luz que sale de los estroboscopios ocultos. Las imágenes son inexistentes. Los intrincados patrones de luz de la micro-temporización no se pueden captar por ningún dispositivo de vídeo convencional. Las imágenes fijas son aún más insulsas.

Así, la experiencia de las estructuras creadas en el aparato ocular-cerebral del espectador solo puede describirse con palabras. El impacto visual y sensorial de estos patrones de luz lleva a anular no solo la existencia del escenario a nivel de percepción, sino incluso el espacio de «realidad virtual». El espacio es ahora un «espacio interior», una zona muy cercana a un «MÁS ALLÁ», un estado de ánimo, de agitación y quietud coetáneas, de densidad estresante y de silencio, la calma y la alegría dentro de una turbina. Una vez que se desvanecen las imágenes, nos llega la luz, un toque íntimo y sensual. El cuerpo en el que pasan cosas ahora es el cuerpo del espectador.