Cinco horas con Mario

El no parar de estrenos de cartelera nos muestra que la capacidad humana creadora es infinita. A veces (incluso) nos hace olvidar esas obras clásicas que se han convertido por mérito propio en definitorias del escenario teatral español. Este es el caso de Cinco horas con Mario. No podría generalizarse y asegurar que es el papel de la carrera de la gran Lola Herrera, pero sí una muestra palpable de su incuestionable talento. Una silla y una luz tenue, acompañados de un texto poderoso, profundo e intimista, realista y natural a partes iguales. No hay nada en esa escena que no te creas, que no te ponga los pelos de punta y que no te transporte a la realidad histórica tan concreta que dibuja esta novela de Miguel Delibes. Se aprende tanto de la buena literatura transportada al escenario. No puedo olvidarme de ese público en pie en el Teatro Bellas Artes aplaudiendo al final de una función más, una de tantas, pero siempre una función única.

El 26 de noviembre de 1979, Lola Herrera interpretó por primera vez el monólogo Cinco horas con Mario, del escritor vallisoletano Miguel Delibes. Y es una verdadera suerte que a día de hoy los sigamos disfrutando a los dos. Sí, porque sin Miguel y sin Lola, Cinco horas con Mario no sería no solo una de las mejores novelas contemporáneas, sino una de las mejores producciones escénicas del teatro español.

Marzo de 1966. Carmen Sotillo acaba de perder a su marido Mario de forma inesperada. Mientras ella sola vela durante la última noche el cadáver de su marido inicia con él un monólogo-diálogo en el que descubrimos sus personalidades y los conflictos de su matrimonio.

En 1966 Delibes publica una novela sorprendente y renovadora, Cinco horas con Mario: un magnífico retrato en negativo de una sociedad que Delibes conocía a la perfección. Nos pinta los escenarios y los personajes de los años cincuenta y sesenta, que nos ayudan a comprender mejor las fuerzas e ideas que regían aquella época de la historia española en una novela de calidad artística e innovadora.

Sin técnicas objetivistas descubre nuevos modos de expresión al transitar por recursos narrativos inéditos que no recurren al testimonio documental, pero sí ofrecen una clarividente radiografía de la sociedad provinciana de los años cincuenta. No hay descripción detallada de hechos o personajes ni técnica de la cámara cinematográfica, recursos propios de la corriente de objetivismo narrativo imperante en la época. Todo es una reproducción fidedigna y acertada de toda una época a través del lenguaje de una mujer de la burguesía provinciana de la España Franquista.

Delibes buscaba un lector lúcido y sensible, del cual pudiera esperar una participación activa. En el monólogo de Carmen hallamos un perfecto y completo reflejo de los valores y creencias en que se apoyaba el sistema político del régimen franquista. La prodigiosa hazaña de Josefina Molina, a la dirección de esta propuesta escénica producida por Pentación Espectáculos, de convertir una novela con una profunda estructura dramática interna en una magnífica propuesta escénica, estriba en un respeto y realce de la palabra de Delibes trasladada, sin cambiar una coma, al código teatral en un bello ejercicio dramático de Josefina Molina y José Sámano que se hace cuerpo a través de la voz y presencia escénicas de Lola Herrera. Y entonces Lola, y solo ella, fiel lectora de todas las publicaciones que el escritor publicaba, muy en concreto en el periódico El Norte de Castilla del cual fue fundador, quien logra la eterna unión que dio vida a una de las mejores producciones teatrales españolas. Con ella, por primera vez la narrativa de Delibes se hace teatro. Lola convertida en Carmen Sotillo puso de pie a un personaje que parecía hecho a medida para la actriz. Ella no solo conocía aquella época, sino que formaba parte de esa Castilla castiza que retrata Miguel; se había criado en sus calles y había crecido rodeada e impregnada de ese pensamiento de profunda cerrazón y arraigo que han convivido durante años dentro y con la mujer castellana.

La escenografía y el vestuario austeros, sencillos van a favor del hecho escénico: la conversión del monólogo de Carmen en una denuncia de la retórica del Régimen, aplicando una continuada ironía que invierte el sentido de su discurso y se convierte en un dardo crítico de los ideales franquistas. Esa es la verdadera originalidad de la narrativa de Delibes y la genialidad de esta propuesta escénica.

Me gustaría que Lola viviese eternamente para poder interpretar a Carmen confesó Miguel Delibes.
Y aprovechando que el Pisuerga pasa por Valladolid, otra vallisoletana, esta que escribe, reconoce con orgullo que, aunque han pasado más de cuatro décadas desde su estreno, la vigencia del texto sigue perenne tanto en las palabras inconmensurables de Miguel como en la solvencia y talento escénicos de Lola, que han convertido una de las mejores novelas de la literatura española en un montaje escénico excelso e inolvidable que forma ya parte indiscutible de la Historia del Teatro Español.

Carmen vela, en su casa, el cadáver de su marido. Necesita pasar junto a Mario esas cinco horas. Una vida juntos. Reflexiones, pequeños, o no, reproches, reivindicaciones, algún ajuste de cuentas, retrato de un matrimonio, con su rutina, sus secretos no muy ocultos, su cariño, una gran incomunicación... Carmen, mujer de provincias, de misa los domingos y buscar la vanidad del piropo, encorsetada en la España de mitad de los ’60, aburrida, a ratos conservadora rancia, a ratos pidiendo libertad, reflejo de una apertura que aún no había llegado o sólo tímidamente.

Lola Herrera hace años hizo suyo el personaje, tanto que la extenuó su carga dramática, que con los años se ha aligerado y se ha ganado en toques de humor no estridentes. Quizás cuando empezó a interpretarlo, a los 40 años, el personaje era más interesante, con media vida por delante. Ha seguido encarnándolo, con un paréntesis de una década, hasta ahora, con 84 años. Algo ya no encaja, algún comentario suena poco creíble en boca de una mujer de 80 años pero es una delicia verla, con la naturalidad absoluta de su Carmen y es que asistimos a un recital de naturalidad, de fundirse con Carmen. Y cierto, el texto de Delibes suena desfasado si no se ve como crónica social de una época pasada, con cuestiones políticas, sociales, religiosas, familiares o sexuales que nos suenan muy lejanas, pero por la interpretación no pasan los años, y por eso, al finalizar, ovación en pie que es reconocimiento a una carrera pero también a un gran trabajo, que tiene el enorme mérito de parecer sencillo.

En resumen: la última, quizá, oportunidad de ver una representación y una interpretación que son historia del teatro español.

Pocas veces un escenario con pocos elementos se llenó tanto contando tan solo con la presencia de una única voz sobre el escenario. Esa voz, la de la veterana Lola Herrera, es capaz de mantenerte enganchada de forma constante durante 80 grandes minutos. Esa voz hace que te emociones cuando ella llora la muerte de su Mario y que esboces una sonrisa culpable cuando enuncia y vivencia los valores ¿obsoletos? de la España de mediados del siglo XX: clasismo, racismo, machismo…

Durante 80 intensos y únicos minutos, la protagonista, Carmen, te hace adentrarte en esas largas horas que pasa en la habitación velando a su marido recordando anécdotas, personas, anhelos... y desvelando secretos. Recuerdos que nos muestran la realidad de las dos Españas, representadas una por ella y otra por su marido. El tiempo pasa, el frío y el cansancio se van apoderando de ti a medida que la protagonista va mostrando señales de que la temperatura está bajando y de que cada vez se encuentra más agotada… hasta llegar casi a la demencia del alba, ya pasadas las cinco.

Una tragicomedia denuncia de Delibes que hace que salgas del teatro reflexionando, ya que lo que nos cuenta Carmen no dista mucho de lo que han vivido nuestros abuelos y abuelas, o incluso nuestras madres y padres. Lola Herrera borda una obra única de la literatura española, y asombra su capacidad de llenarlo todo con una sola voz.

Cuando me enteré de que “Cinco horas con Mario” se representaba en Madrid y que Lola Herrera se volvía a meter en la piel de su protagonista no esperé para conseguir mis entradas. Si no se puede disociar el papel de Chanquete al nombre de Antonio Ferrandis, el papel de Carmen Sotillo está irremediablemente ligado (y a Dios gracias) al nombre de (la gran) Lola Herrera.

“Cinco horas con Mario”, escrita por Miguel Delibes en 1966, es el reflejo de la sociedad de nuestros abuelos que bien podría servir en la mayoría de los aspectos para reflejar también nuestra época. Como pretexto para mostrarnos aquella realidad, nos encontramos con una mujer, Carmen, que vela a solas el cadáver de su difunto esposo. En la intimidad de sus últimas horas con él, Carmen desgrana los momentos de su matrimonio. Las anécdotas y los reproches van dando paso a las confesiones. Las diferencias entre su forma de pensar y la del fallecido nos muestran la realidad de las distintas Españas, la progresista y la conservadora que, pese a todo, no dejan de necesitarse y no pueden vivir la una sin la otra. Pues eso, muy actual.

Tras ver a Lola Herrera en “La velocidad del otoño”, “Seis clases de baile en seis semanas” y “En el estanque dorado”, sabía que en “Cinco horas con Mario” iba a ver una actuación de las buenas. Me quedaba corto. Egoístamente pienso que ojalá Lola Herrera no se retirara nunca.

A este monólogo sólo se le puede sacar una pega: 80 minutos se hacen escasos. Cuando algo es bueno, uno no quiere que acabe…

Hay obras en las que cabe toda la sociología de un periodo.  En cinco horas puede llegar a caber toda una vida, máxime si se trata de la vida de una mujer casada, en provincias, en los años sesenta del siglo pasado. Esta mujer, Carmen, narra con criterio episódico y reduccionista lo que le ha acontecido hasta su imprevisto tránsito a la viudedad. Todo se ha escrito ya sobre este icono de la literatura española, su adaptación desde la novela a los escenarios, su identificación con la actriz por la que el tiempo parece no pasar, el reflejo de la vida femenina tras los visillos de los hogares biempensantes, que disimulan con silencios lo que a gritos sus deseos, insatisfechos, recluyen en el ámbito carcelario de lo privado.

En este montaje, respetuoso con el recuerdo de toda una generación, se mantienen la escenografía, el reparto, el texto y lo todo lo previsible para un público que se acerca con más o menos morbo y prevención a este espectáculo. Se dicen verdades íntimas y dolorosas; se admiten incomunicación y frustración, a pesar de una censura de cuya ferocidad nos han convencido históricamente. En un recinto necesariamente reducido se desarrolla este ajuste de cuentas en el que al final la supuesta víctima puede no ser tan inocente como se imaginaba, siempre desde la visión contemporánea.  Continuar leyendo en TRAGYCOM