Àlex Rigola: Hedda Gabler

Henrik Ibsen fue uno de los dramaturgos más influyentes de la historia, porque instauró un realismo, a finales del siglo XIX, que dio la vuelta completamente a las reglas del teatro del momento. Huyendo de la distracción, de los cuentos o de la fantasía, introdujo al espectador en medio de escenas cotidianas de gente corriente, allí donde se guardan los grandes secretos. Y desde ahí lo acababa cuestionando todo. Sus diálogos, vigentes todavía, son desgarradores y se tiene un cuidado meticuloso de cada detalle.

Àlex Rigola juega con el carácter del texto de una de las obras más célebres del director, poeta y dramaturgo noruego, Hedda Gabler, para ofrecer una adaptación libre que desnuda y pone en el escaparate el carácter complejo de una mujer indescifrable , sus conflictos personales, emocionales, éticos. El resultado adquiere la forma casi de un ejercicio teatral, por las características de la dramatización y la interacción entre los personajes, sin desmerecer la experiencia en absoluto. Se convierte en un privilegio para el espectador compartir el insólito espacio escénico con los protagonistas. Y completa la fortuna de cualquier amante del teatro ser recibido por el mismo director, recibir de él cuatro consignas necesarias antes de ocupar el espacio y tenerlo cerca, durante el espectáculo, tomando notas. La representación está viva, y, como él mismo manifiesta, se modifica ligeramente de función, atendiendo a las vibraciones que capta en escena, en el momento de los actores y actrices, en el feedback de algún momento inesperado, ligeramente improvisado.

Una caja de madera hace de platea y de escenario (en palabras del director), y el reducido público que accede a ella parece tener un rol en la escena. Los personajes le saludan, le explican de dónde sale y cómo es cada personaje que inicia intervención, le interpelan con la mirada, con el gesto, con la pistola, cierran un estornudo con un “¡Salud!” o llegan a llevar agua a quien le coge un ataque de tos.

Complejo en el fondo, extremadamente sencillo y delicado en la forma. Cercano, tanto que no te puedes escapar (guardas silencio y ni te mueves casi por no ser descubierto por los personajes), y, al mismo tiempo, distante: la postura de los personajes, siempre apoyados, sentados, el tono bajo, extremadamente bajo, y escaso movimiento en escena… Fantástico y, al mismo tiempo, algo desconcertante, todo.

La compañía Heartbreak Hotel, con su énfasis en el estudio de la interpretación a partir del núcleo del personaje, en busca de la verdad escénica, ofrece un trabajo a dos niveles demasiado distantes: Nausicaa Bonnín, espectacular, en esencia enigmática, Pol López y Marc Rodríguez se sitúan un escalón por encima de Joan Solé, que no consigue llevarte hacia su personaje, y Miranda Gas, más débil que el rol que interpreta (incluso en el tono de voz).

Los clásicos, aunque sean contemporáneos, lo son precisamente por la excelente capacidad de vincular al espectador con las emociones y los dilemas humanos más elementales. Àlex Rigola firma la dirección de esta adaptación libre de Hedda Gabler, que se suma a la lista de versiones teatrales, audiovisuales y literarias que se han realizado a partir del texto que Henrik Ibsen estrenó en 1891.

Cuando el espacio físico queda reducido a lo más elemental —una estructura cúbica de madera lisa, con los bancos justos para que se siente el público—, la atención se centra en los detalles de los gestos, en cada palabra de los diálogos. Además, los integrantes de la compañía Heartbreak Hotel, que no se cambian los nombres para dar vida a los personajes, no abandonan el espacio escénico durante la hora y pico que dura el montaje, lo que hace que el espectador esté bien atento para captar miradas, expresiones, puestos.

El espectáculo tiene una virtud principal, y es que engancha el público dentro de una historia que todo el mundo llega a sentirla suya, por la proximidad que genera la puesta en escena: sin dramas recargados, la empatía con personas que están a un palmo de distancia es casi automática. El defecto básico, por el contrario, es la simplificación del texto original, probablemente excesiva, que hace perder algunos matices de peso y reduce las acciones de personajes muy complejos en situaciones que pueden parecer tan solo cínicas.

Ya hace unos cuántos años que Àlex Rigola se dedica a desnudar algunos clásicos y dejarlos prácticamente en el esqueleto, con aquello que aguanta la estructura y da sentido a todo. Son versiones sin vestuario, ni escenografía, ni nada que las contextualice. Se basan en el texto, en la palabra, y a la vez los actores –en un juego metateatral bastante interesante- juegan a hacer de narradores y de personajes a partes iguales. Empezó la experiencia con Ivanov, siguió con Vania (escenas de la vida) y acabó la trilogía chejoviana con La gaviota. Ahora repite el ejercicio con una obra de Ibsen e incluso copia la fórmula del cubo de madera que ya se vio a Vania. Un espacio reducido, un número limitado de espectadores y una proximidad total con los actores, que se limitan a un pequeñísimo escenario.

Creo que este tipo de experiencias funcionan muy bien la primera vez que las ves, porque muchos de sus recursos descolocan al espectador. Cuando ya las has visto varias veces pierden el efecto sorpresa, a pesar de que todavía cumplen el objetivo de meternos dentro de los textos. Con Hedda Gabler se ha hecho una adaptación realmente reducida, en la que incluso se ha escatimado el disparo final. Y es que a aquí la protagonista parece más deprimida que presionada por el entorno, o por las circunstancias que la rodean. La refinada y compleja maldad que aparecen en el original aquí quedan diluidas, y el retrato psicológico de la protagonista no acaba de eclosionar como haría falta. Estamos ante uno de los personajes más complejos de la literatura dramática universal, y aunque Nausicaa Bonnín hace un gran esfuerzo para intentar comprenderla y asimilarla, el texto y el contexto que han quedado no la ayudan del todo… El resto del reparto, de un alto nivel y de una gran exigencia, sufre del mismo mal. Y es que a veces la síntesis ayuda, pero en otras ocasiones resta elementos igual de importantes.