La voluntad de creer

Texto exquisito, profundo, arraigado, muy trabajado. Elenco actoral de primera categoría, que combina con perfección las armas de la comedia, la tragedia, el esperpento. Un escenario sencillo que se mueve al son de las necesidades de la trama. Un viva Messiez. De la mano de algunos de sus colaboradores clásicos, esta historia (intra)familiar amasada en la oscuridad que deja la intimidad hogareña, destapa las voluntades de encontrar el amor en medio de la dicotomía que te enfrenta a tu propia identidad en el regreso a casa. Quienes se quedaron, quienes se fueron para después regresar. Pequeño spoiler: hay muertes al final y, con eso, el público estalla en aplausos antes de que se apague la luz.

Desacomplejadamente paralela a la Ordet de Dreyer (literalmente, la película se reproduce en un pequeño televisor que permanece encendido en una esquina de un escenario que se va montando hasta recrear la escena final), esta obra de Pablo Messiez cuenta con planteamientos paralelos sobre el ser, la fé, la familia y los alcances y límites de sus fuerzas en la realidad (y en las ficciones) que habitamos.

La obra comienza antes de que dé comienzo la obra, con los actores/personajes/personas repartidos por la escena nombrando lo que sucede y sucederá dentro y fuera de la ficción, creando puzzles que se irán encajando durante las escenas y dando lugar a un juego de espejos mágico que envuelve toda la sala, butacas incluidas.

La voluntad de creer es profunda, inteligentísima, desgarradora a la par que divertida hasta la extenuación (pocas veces he visto hacer reír a un público como Rebeca Hernando) y con unas interpretaciones redondas. Una experiencia imperdible de teatro y de vida, una Ordet actualizada para resucitarnos ahora que a veces pareciera que está a punto de acabarse todo.

Este montaje lleva días en mi interior, dejando un poso que poco a poco voy descifrando. Empezaré diciendo que el movimiento, el ritmo marcado y la interpretación del elenco son sublimes. Consigue desde el principio esa expectación que te mantiene alerta, que te adentra en la historia y te empuja a necesitar saber más. Un texto lleno de silencios que comunican y de palabras que crean ruido.

Pero lo que te acompaña durante días es su planteamiento, la reflexión que propone. Un texto que cuestiona el concepto de lo que creemos como "realidad" y, como consecuencia, que cuestiona el concepto de la vida y de la muerte. ¿Es la realidad exactamente como la percibimos? ¿Puede esa realidad cambiar dependiendo de lo que pensamos? ¿Lo que creemos puede crear? ¿Hasta qué punto lo que escuchamos a nuestro alrededor afecta a cómo percibimos nuestra realidad? ¿Es lo que nos rodea un acto de creación colectiva que va más allá de lo físico? ¿Qué significa lo que decimos? ¿Se encuentra la verdad en la palabra? ¿Es todo lo que decimos mentira? Y podríamos seguir preguntando.

Pablo Messiez trabaja a partir de la película Ordet, de Dreyer para "darle la vuelta al espectador", para poner a prueba su fe, para provocar que, quizá, se replantee su entorno y sus pensamientos. Sus creencias. Me parece una propuesta muy valiente y arriesgada por parte del dramaturgo y director, sobre todo en estos tiempos en los que parece que reina el fatalismo en nuestra sociedad, una sociedad que parece que ha perdido la fe en ella misma y no cree en los milagros.

Pero todo esto que te cuento no es más que palabras, no es más que ruido. Te invito a que vayas a sacar tus propias conclusiones de esta pieza que, a mi parecer, es un gran acierto.

 

La voluntad de creer es un texto escrito y dirigido por el director y dramaturgo Pablo Messiez, autor de el tiempo que estemos juntos (2018) y Las canciones; a partir de la película Ordet (La palabra) de Carl Theodor Dreyer, que es a su vez una adaptación de la obra teatral homónima del dramaturgo danés Kaj Munk y de las palabras pronunciadas por Juana de Arco el día de su juicio.

Repite en La voluntad de creer buena parte del equipo artístico y del reparto de Las canciones. Rebeca Hernando, José Juan Rodríguez, Iñigo Rodríguez Claro y Mikele Urroz, a quien se añaden las intérpretes Marina Fantini y María Jáimez.

El espacio escénico es obra de Max Glaenzel, el vestuario de Cecilia Molano, el diseño de iluminación de Carlos Marquerie, el entrenamiento corporal de Elena Córdoba y el sonido de Iñaki Ruiz Maeso.

Todos los personajes parten del presente sin ningún tipo de artificio. El espacio escénico está vacío, sin elementos escenográficos. A medida que avanza la obra se va transformando. El color va desapareciendo y predomina el blanco y el negro.

El espectáculo se construye dentro y fuera del escenario. En varios momentos, a lo largo de la función, se rompe la cuarta pared.

Dentro, en escena, se relata la historia de una familia que avanza hacia un final trágico. Fuera del escenario, los espectadores observamos la construcción de la pieza teatral; la transformación de los intérpretes en personajes y la construcción del espacio escénico a partir de la nada.

La música también está presente en este montaje. Suenan dos canciones de música popular argentina. Viene aclarando de Atahualpa Yupanqui en versión de Leda Valladares y María Elena Walsh, y Vida la del último día, una versión a cappella de Sílvia Pérez Cruz.

La voluntad de creer es una reflexión sobre la fe, sobre el hecho de creer o no, y al mismo tiempo un homenaje al teatro, en el mismo sentido de creer o no, en lo que está pasando arriba del escenario.

Todo está en la voluntad de creer.

Lo que ocurre con el teatro de Pablo Messiez es un poco lo que está pasando con los últimos espectáculos de Àlex Rigola. Los dos directores han creado un lenguaje y una manera de pisar el escenario que siempre es fiel a unos principios, a unas reglas, a un ejercicio que surge del juego teatral y metateatral. Son dos estilos diferentes y con objetivos diversos, pero coinciden en el hecho de presentar los actores como actores y no como personajes. Se desnuda el artificio teatral hasta el máximo, y se consigue que el espectáculo o la historia se vaya construyendo delante mismo del espectador. Está claro que, tanto en un caso como en el otro, la propuesta sorprende y entusiasma mucho más la primera vez que la disfrutas… pero no se puede negar que la magia sigue existiendo.

Messiez ha partido aquí de la película Ordet (La palabra), un clásico del cine europeo dirigido por el danés Carl Theodor Dreyer en 1955. La cinta sirve como inspiración, o como excusa, para habla de la fe, de la voluntad y de otras muchas cosas. De hecho, el argumento se mezcla también con el de Las tres hermanas, aunque todo ello evolucione hacia caminos inesperados y acabe con un final optimista y bellísimo. Es cierto que la obra tarda en arrancar y en enseñar todas sus cartas, perdiéndose en un escenario tan enorme… En la segunda parte, y con el adecuado acotamiento del espacio, todo se irá colocando en su lugar y los personajes erigirán como grandes símbolos o pequeñas islas donde aferrarse. Por cierto, que grande es Rebeca Hernando, una actriz que ya habíamos visto en Las canciones y que aquí vuelve a despuntar como la hermana irónica y combativa que va en silla de ruedas.

Quizás no he encontrado aquí el torrente de energía que desprendía Las canciones (para mí, uno de los mejores montajes que he visto en los últimos años), pero está claro que las propuestas del director argentino siguen apostando por un estilo y una idea del teatro realmente interesantes.

Me habían hablado muy bien de La voluntad de creer y también había visto Las Canciones en su momento, del mismo autor, el argentino Pablo Messiez. Y desde el minuto uno confirmo lo que ya venía intuyendo: está su sello por todas partes, tiene un estilo tan particular que hace que queramos seguir viéndolo siempre.

Pero no estoy segura de haberla disfrutado como se merece. No tenía yo la misma claridad mental el día que decidí ir a ver a esta obra que el día que fui a verla. Considero que, en un ejercicio de honestidad con una misma y un poco también con el universo, no puedo ir de guay y valorar una obra estupendísimamente si no creo haberla entendido al cien por cien. Como esperaba, tiene momentos brillantísimos, diálogos y escenas concretas que son pura filosofía, pura poesía perfectamente asequible para cualquiera, monólogos que me gustaría haber escrito a mí y unos intérpretes creo que cuidadosamente elegidos: transmiten tanto con una sola mirada que me hace preguntarme a veces si están actuando o no. Y creo que por ahí va un poco la cosa.

Quizá no he entendido la totalidad de la obra -aunque al escuchar el aplauso final con medio teatro en pie he tenido claro que el problema era mío- pero me dan ganas de volver para atar cabos mejor, para volver a disfrutar del texto ("Volver no repara lo partido al partir"), de ellos, de la maravillosa puesta en escena que nos regala momentos visuales, sobre todo hacia el final, que ojalá mi retina no olvide.