Lluís Homar: La discreta enamorada

JOPÉ CON LOPE, LA CHAVALADA Y LA TEATRALIDAD

Todos conocemos la maestría de Lope de Vega con las palabras y el enredo. Con La discreta enamorada nos encontramos con un dramaturgo que ya se había consolidado como todo un poeta y había alcanzado la madurez, conociendo los recursos y su público. Esta pieza ambientada en el Madrid de finales del siglo XVI llena de personajes pintorescos, con deseos de mucha diversión y ganas de enredar. En este caso tenemos a la muchacha Fenisa, que vive enclaustrada por su madre, Belisa. La joven se enamora del galán Lucindo, quien acompañado de su criado Hernando, busca enamorar a Gerarda, quien le provoca celos para que se fije en ella quedando con Doristeo. Por otro lado, el padre de Lucindo, Bernardo le pide a Belisa que le dé la mano de su hija en matrimonio, pese a la gran diferencia de edad. Fenisa, cuyo apodo da el título de la pieza, pone en marcha toda una maquinaria de enredo que empuja a todos a usar estrategias para cumplir sus deseos. Jopé con Lope.

La nueva promoción de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico representa esta comedia, dirigida por Lluis Homar, quien también sale en escena como Bernardo. Debido al amplio reparto, en cada función se van rotando los papeles. En esta ocasión, dentro del festival de Clásicos en Alcalá, pudimos ver en el Teatro Salón Cervantes quienes representaban los papeles principales: Nora Hernández (Fenisa), Marc Servera (Lucindo), Pascual Laborda (Hernando), Miriam Queba (Gerarda), Íñigo Arricibita (Doristeo) y María Rasco (Finardo, criado de Doristeo). Todos ellos aportan frescura y toda la vivacidad de los personajes. Es una delicia verlos viviendo las palabas del Fénix de los ingenios y hacen que las 2 horas que dura el espectáculo se pasen rápido. Jopé con la chavalada. El resto de miembros de la promoción están de apoyo, haciendo de coro, cambiando escenografía, tocando música y bailando. Cabe destacar la interpretación de Montse Diez, quien encarna a la recatada Belisa en todas las funciones. Su regia compostura de persona mayor se va contagiando de la pasión de la juventud, dando lugar a situaciones de carcajada.

Dicho esto, había cuestiones que por parte de dirección resultan complicadas de encajar. Lo primero que llama la atención es ver en una estructura metálica grande un cartel enorme de neón donde podemos leer HOPE (esperanza en inglés) con un corazón en vez de la letra O, haciendo un sutil juego de palabras. Jopé con Lope Hope. Una de las cosas que llama la atención es que encontramos a técnicos del Teatro Clásico: utileros, peluqueros y sastras. A quienes vemos en escena haciendo los cambios de escena o de vestuario. Es algo digno que se haga visible ese trabajo que el público no suele ver, siendo un oficio muchas veces menospreciado hasta por la gente del sector cuando es gracias ellos que hacen posible el hecho teatral. Toda la propuesta es un homenaje a la teatralidad, lo cual tiene sentido pero la mezcla de distintos códigos resulta difícil entenderlo.

La escenografía corrió a cargo de José Novoa, que con esa estructura hace que las escenas sucedan a distintas alturas, dando dinamismo, y añadiendo algunos detalles como paja seca y tierra para representar el prado madrileño, sillas y cortinas sobre una tarima para representar la hacienda de Belisa y Fenisa, y de fondo una gran cortina de un cielo en crepúsculo. Deborah Macías viste a la JCNTC de trajes y vestidos blancos que van entre el vestuario de época y la actualidad, jugando con los volúmenes y el realce de los cuerpos. Es curioso ver cómo algunos empiezan de negro y van cambiando a blanco a medida que avanza la acción. La iluminación corrió a cargo de Pilar Valdevira, cuyas decisiones veo confusas. No solo por la “Esperanza”, sino por meter lámparas de pie, de araña o focos a la vista por el escenario. Algunas veces se encendían en escenas de interior o exterior, lo cual era difícil de entender. Por momentos el color de las escenas daba a entender una hora del día o un sentimiento, pero también era complicado seguir a qué podría representar. Por otro lado la música tiene bastante protagonismo en este espectáculo. Marc Servera también se ha encargado de la composición. Con la loa al principio ya nos captaba del espíritu del ensamble y de la pieza. La propuesta tiene momentos donde el coro canta de fondo, interpretando con instrumentos un poema de Lope (que con toda su “gallardía” se nombra a sí mismo), o cantando estilo cabaret comentando todo el enredo. En un par de ocasiones también se cantaron un par de baladas en catalán, lo cual resulta extraño después de ver más de una hora de obra ambientada en Madrid. Al principio y al final se oye como música electrónica, como para hacernos entender que estos jóvenes es lo que escucharían hoy en día… Toda una mezcla sonora que yo no sé si estamos en un musical de Gran Vía o de una discoteca light.

Vemos cómo un miembro de la chavalada se queda con un libreto en mano para dar texto a Lluis en caso de olvidársele, como un apuntador. En esta ocasión solo lo pidió una vez, pero de todas formas resulta inconcebible que ni el director de la propuesta se sepa el texto de su personaje, sino que también lo haga pasar como contemporáneo. Igual es que como no podía cobrar también de actor, se eximió de esa responsabilidad. Todo un uso de distintos lenguajes teatrales que no sabría descifrar, una teatralidad que se traiciona a sí misma, que se toma demasiado en serio y leo como si fuera caprichosa. No hay un punto de vista claro, no sé si quiere hablar de las convenciones del Siglo de Oro, o las convenciones de la actualidad. Muchas cosas por parte de dirección que percibo como un intento de parecer moderno o un ejercicio de soberbia. Jopé con Lluis.