Este mes de marzo, vuelve Bailar en la Berlanga, el ciclo impulsado por la Fundación SGAE en colaboración con la Federación Estatal de Compañías y Empresas de Danza (FECED). Su duodécima edición, que tendrá lugar del 17 al 21 de marzo, reunirá seis propuestas de pequeño formato que ofrecen una panorámica de la creación coreográfica actual, desde la danza contemporánea hasta el flamenco, el folclore y los lenguajes urbanos.
El ciclo mantiene su vocación de acercar la danza al público general, reivindicando la versatilidad del movimiento y su capacidad de adaptación a espacios no convencionales, y articula su discurso en torno al paso del tiempo y la contraposición de universos —tradición y contemporaneidad, ritual y experimentación, intimidad y exposición— como ejes transversales.
‘IN-SIDE’, de Lucía Montes y Mado Dallery
Seis miradas al presente coreográfico
La programación se abrirá el martes 17 de marzo con dos piezas de danza contemporánea. IN-SIDE, de Lucía Montes y Mado Dallery, plantea un diálogo físico entre dos cuerpos que transitan de lo etéreo a lo terrenal, explorando la fusión, la afectación mutua y la construcción de un espacio compartido desde la energía y la sutileza. Esa misma jornada se presentará EIXOS Live Setx, de la compañía de Agnès Balfegó Brull, un solo que funciona como reflexión sobre la arquitectura corporal invisible y la libertad del movimiento.
‘EIXOS Live Setx’, de Cia Agnès Balfegó Brull
El miércoles 18 será el turno de AURORO (work in progress), de la compañía de Pablo Egea, una creación inspirada en las Campanas de Auroros de la tradición rural murciana, transformando la devoción popular en una experiencia escénica física y emocional. El jueves 19 llegará Meohadim, de la compañía Jacob Gómez, una obra interpretada por cinco mujeres que articulan un tejido de experiencias compartidas, explorando las tensiones entre lo dicho y lo silenciado, lo suave y lo áspero, en un juego de contrastes emocionales que apela a la memoria y a la identidad colectiva.
La jornada del viernes 20 estará dedicada a Síncope, de la compañía de Miguel Perandrés, una propuesta que hibrida flamenco y danza contemporánea, a partir de la dualidad entre la locura y el “tonto”, en un diálogo escénico sobre las relaciones de poder internas, la enajenación y la lucidez.
Clausurará el ciclo el sábado 21 El vuelo, de Ana Arroyo, Carlos Carbonell y R de Rave, una creación que conjuga nuevas tendencias del flamenco con el cante urbano y que aborda temas como el ego, la libertad de sentir o las creencias a las que nos aferramos para poder levantar el vuelo y afrontar una sociedad que oprime y manipula.
‘AURORO (work in progress)’, de Cía. PABLO EGEA
En palabras de sus protagonistas
A partir de esta programación, planteamos a sus creadores y creadoras dos cuestiones comunes: qué preguntas o inquietudes artísticas atraviesan sus trabajos y qué significa “contemporáneo” para las compañías en 2026. Las respuestas revelan miradas diversas sobre el cuerpo, el presente y la relación entre tradición y experimentación.
Para Lucía Montes, el punto de partida de su investigación coreográfica tiene que ver con la percepción del tiempo y con la atención a aquello que sucede entre los cuerpos. “IN-SIDE está atravesada por la necesidad de retar el tiempo, de buscar lo sutil, invitando a observar no solo los cuerpos en escena sino los espacios que modulan entre sí con cuidado y conexión”, explica. Y añade que “contemporáneo significa diversidad, amplitud, pero también necesidad de consciencia y de paz”.
‘Meohadim’, de Cia Jacob Gómez
Una inquietud sobre el cuerpo también guía el trabajo EIXOS Live Setx. En su caso, Agnès Balfegó Brull parte de una pregunta muy concreta sobre el potencial del movimiento. “Cuando creé este solo, me preguntaba si podía usar la danza para romper y expandir estructuras limitantes desde el propio cuerpo. Me inquieta entender si el movimiento tiene el potencial de crear más espacios. Espacios que igual ya existen, pero que, si no los muevo, no los veo”. En su definición de contemporaneidad, la coreógrafa introduce dos ideas clave: “Para mí, contemporáneo significa riesgo y compromiso. Riesgo, porque implica confrontar lo que se establece y, también, por la dificultad en permanecer haciéndolo. Y compromiso, por usar la escena como un espacio de libertad y verdad, compartido, político y transformador”.
La investigación artística de Pablo Egea en AURORO (work in progress), “abarca el concepto de rito, hermandad y fe, a través de la danza española, el folclore y el flamenco”, creando una pieza que “abraza la tradición desde la contemporaneidad”. Desde ahí, entiende que «lo contemporáneo es lo actual. Una propuesta escénica es contemporánea o por el tema que trata o por la forma de contarlo. Puede tratar un tema tradicional, pero presentarlo de una forma contemporánea, usando lenguajes escénicos o una puesta en escena actuales”.
Desde la compañía Jacob Gómez, la inquietud artística de Meohadim es “la familia, el estar conectadas y hacer unión entre todas” y contemporáneo “es aquello que ocurre, que existe, que es nuevo, que innova o lo intenta”, comenta Gómez.
‘SÍNCOPE’, de Compañía Miguel Perandrés
Por otro lado, el proceso inicial de Miguel Perandrés nació “de una experiencia personal, que evoluciona y se nutre de otras disciplinas de danza y artísticas como la escritura, la performance, la pintura…”. Esto da como resultado Síncope, “una pieza de flamenco que parte de la búsqueda de un lenguaje personal, la necesidad de nuevos caminos, donde conviven la tradición y lo contemporáneo” y en la que “se explora la dualidad de una misma persona”. En su caso, el concepto de contemporáneo se relaciona directamente con la experiencia vital, porque “es habitar mi tiempo presente con el cuerpo despierto, incorporando todo lo que me atraviesa, tomando posición de mi lugar en el mundo actual. Significa expresarme con libertad, siendo honesto y permeable a lo que me sucede. Expresarme desde la vulnerabilidad que siento, como lugar de verdad”.
La última de las respuestas llega de los creadores de El vuelo. Ana Arroyo, Carlos Carbonell y R-de Rave señalan como punto de partida de su pieza la voluntad de investigar el encuentro entre distintos lenguajes escénicos. “La gran inquietud es cómo unir tres lenguajes artísticos muy distintos: el flamenco más puro, la danza en un punto más contemporáneo y el cante urbano. Queríamos investigar qué pasa cuando los juntas, dónde chocan y dónde se abrazan. Y descubrimos que esa fusión nos servía perfectamente para hablar de temas que nos duelen y nos mueven”. Sobre el concepto de contemporáneo, subrayan que no se trata únicamente de una estética actual: “No es solo una cuestión de estética moderna o de mezclar estilos. Es, sobre todo, una actitud. Es atreverte a romper con lo establecido sin perder la raíz. Es mirar atrás para saltar hacia adelante”.
El vuelo, de Ana Arroyo, Carlos Carbonell y R de Rave
En conjunto, las seis piezas de Bailar en la Berlanga dibujan un panorama donde lo contemporáneo no aparece como un estilo único, sino como una forma de posicionarse ante el presente: desde la exploración del cuerpo y el espacio hasta el diálogo con la tradición, la experiencia propia o el riesgo artístico. Un mosaico de miradas que dialogará sobre el escenario —y también después de cada función— en cada uno de los encuentros moderados por la periodista especializada en danza Olga Baeza.
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