Altsasu

Cuando una obra de teatro está basada o, lo que es aún más, relata de forma descriptiva un hecho real genera mucha inquietud y expectación a partes iguales. Cuando, además, el suceso tiene un carácter no solo social, sino también político algunas personas empiezan, literalmente, a revolverse. Qué síntoma de buena salud teatral es el hecho de que se creen espectáculos que describen situaciones sociales que han marcado de una u otra forma nuestra historia. Nunca he entendido muy bien qué miedo debe producir que se cuente la realidad de unos hechos, y que cada uno, a partir de ellos, pueda formarse libremente su opinión o lleve a generar un intercambio de pensamientos. ¿No es esta la esencia del teatro? Pues dejémosla vivir.

Altsasu aborda el altercado producido en octubre de 2016 en el pueblo navarro de Alsasua entre unos vecinos y unos guardias civiles y sus parejas, con todas las consecuencias mediáticas, penales, físicas y psicológicas que tuvo. Un montaje que combina el teatro verbatim con la ficción documental, y esta mezcla es uno de los grandes aciertos de la propuesta para hacer llegar una mirada prismática y muy completa de todo lo sucedido y de la extensión de sus consecuencias. A nivel textual, sobresale una magnífica documentación y una construcción muy bien planteada del conjunto de hechos que componen la obra. El espectador asiste a la representación de muchas escenas, algunas de ellas muy rápidas, que permiten seguir la historia sin perder interés ni hilo y ofreciendo un perspectivismo abrumador. Esto es así porque no se incide, desde la ficción, más en una parte que en otra, no se centra más en una historia que en otra, cuenta lo que pasó y cómo afectó esa realidad a todas las partes. Los jóvenes del pueblo no son más protagonistas porque la autora lo haya decidido así, lo son porque sobre ellos recae el peso de la acusación y, por lo tanto, de un proceso judicial que se centra en ellos. Pero en esta obra aparecen todos los implicados directos e indirectos, y se conoce, a partir de sus propios testimonios, cómo vivieron la realidad que les tocó afrontar a cada uno de ellos.

En la dirección, María Goiricelaya imprime un ritmo bastante mantenido a lo largo del montaje, que se ve muy intensificado por el gran uso de la escenografía y los eficaces y constantes cambios de vestuario para marcar la gran cantidad de personajes. En la interpretación, el desafío de los actores es notable por la presencia de registros y situaciones muy distintos, y la exigencia de cambios muy rápidos sin perder la verdad de cada uno de los personajes a los que están dando vida. Un trabajo actoral muy bien medido por parte de los cuatro intérpretes donde se aprecia que el espectáculo está muy rodado y empastado. Especial mención merece la música, tanto la incidental como la dramática, que siempre suma a la escena. Es hermoso escuchar la musicalidad del euskera a través de las canciones tradicionales. Toda la atmósfera de tradición carnavalesca es tratada desde la música, la interpretación, el vestuario y la escena con especial cuidado y le imprime mucha belleza y autenticidad a la propuesta. Muy bello también haber mantenido en la versión castellana las referencias familiares en vasco a lo largo de toda la dramaturgia. Ese grito final compartido de llamada a la madre, al origen de nuestra existencia, es profundamente hermoso y sobrecogedor, y escucharlo en la lengua madre lo hace aún más auténtico.

Altsasu muestra el prisma de un dolor irreparable y le lleva al espectador a cuestionar cómo funciona el sistema y sus límites, los abusos y excesos de poder, las consecuencias del odio. ¿Una pelea puede llegar a considerarse un acto terrorista solo por el hecho de que los agresores puedan tener una determinada ideología? ¿Las fuerzas de seguridad del Estado, a pesar de vivir en algunas circunstancias situaciones de rechazo y odio, pueden tomarse la justicia por su mano ejerciendo parcialidad? Estas son solo algunas de las preguntas que me asaltaron al salir de la representación impactada por lo que había visto, y con ganas de reflexionar sobre el devenir de la humanidad. Salí interpelada y muy feliz porque esto para mí siempre será el TEATRO.

Esta propuesta marcada por la controversia demuestra que hay personas que critican desde el prejuicio y sin haber visto la obra. En este montaje, la dramaturga y directora María Goiricelaya, nos plasma una situación real desde un punto de vista escénico con un enfoque poliédrico.

La situación política en el País Vasco ha sido compleja y sigue siéndolo. La polarización solo aleja y confronta, hacer un trabajo por valorar diferentes puntos de vista ante una situación de forma pormenorizada es lo que nos une como especie humana.

En esta versión escénica de los hechos acontecidos en Altsasu en 2016, Goiricelaya transmite esta dualidad desde un ejercicio empático. Personajes que cambiando de chaqueta son de un bando u otro, situaciones donde se refleja esta visión radicalizada en diferentes interlocutores. Tanto es así, que me consta (igual que en el documental de Évole - No me llame Ternera-) que las críticas vienen de ambos lados. Personalmente, creo que ese es un indicativo de que las cosas se han trabajado bien, intentando ver los claroscuros de la situación en sí.

Desde el punto de vista teatral, Goiricelaya cose y descose el escenario con elementos mínimos centrándose en la interpretación de los personajes. El desafío de trabajar diferentes personalidades y perfiles es resuelto por los actores con una interpretación excelente, barajados con un ritmo en el que es imposible perder la atención.

Esta obra lleva al debate posterior, como país democrático que somos, me alegra saber que podemos seguir debatiendo diferentes puntos de vista aunque no los compartamos (o solo parte y no en su totalidad) porque es lo que nos hace seguir creciendo a nivel humano. Como decía José Luis Artsuaga en una conferencia "si la tribuna estuviera llena de lobos, no podríamos seguir hablando, por suerte, somos humanos".

Allá por el año 75, la censura cambió la letra de Mi querida España de Cecilia. Me dice mi madre mientras aplaudimos de pie al terminar de ver el ensayo general de Altsasu y suena esa canción. 50 años después, los gritos, los discursos y las manifestaciones contra una ficción representada en un teatro persiguen el mismo objetivo. O peor. Pero esta vez, no ha sucedido la cancelación de las palabras y el espectáculo sigue representándose con entradas agotadas y lágrimas de emoción en el Teatro de La Abadía y con un director al frente que defiende que “un teatro es un lugar para la paz y la libertad”.

No se puede abordar este montaje sin que la política haga una aparición triunfal en él. Y es necesario, no lo neguemos. Como también lo es introducir una parte de humanidad, de diálogo y de responsabilidad ante lo que nos ocurre con esta pieza, ante lo que ocurrió y ante lo que nos traspasa, para bien y para él, acercándonos a los hechos que tuvieron lugar aquel 15 de octubre de 2016. La compañía La Dramática Errante es magnífica en hacer pensar durante hora y media, y más allá del rato de función, en aquello que nos resulta lejano, pero es real y en lo que tenemos que seguir hablando.

Aitor Borobia, Nagore González, Ane Pikaza y Egoitz Sánchez se desenvuelven con una soltura que destaca bastante en la Sala José Luis Alonso. Es normal, ya tienen la obra rodada. E imagino que antes de eso, pensada, imaginada, reflexionada y sin terminar de cerrar del todo, pues es esta una oportunidad especial para seguir nutriendo a la puesta en escena de más, conforme más público pase por el teatro a verla. Este elenco me gusta especialmente porque no noto distancia. Al término de la función, no hay escenario y patio de butacas, sino un espacio conjunto en el que hay conversación y nos unimos en una sociedad mejor.

En una época con tantas fuentes de información y tanta accesibilidad parecería extraño que se puedan crear historias y hechos que no sean fieles a la realidad o que sean reconvertidos para apoyar una idea concreta. Pero pasa, y muchas más veces de las que cualquiera se pueda llegar a imaginar.

Los hechos de Altsasu se han convertido ya en un capítulo más de la historia rocambolesca del Estado Español. Dos Guardia Civiles y sus novias fueron agredidos en un bar del pueblo navarro mientras estaban fuera de servicio. Durante la investigación, más dirigida que hecha con diligencia, se detuvieron a un gran número de vecinos de la localidad y se les acusó de terrorismo, con todo lo que esto implica. ¿Desproporcionado?

María Goiricelaya, directora y dramaturga, tiene en esta obra una tarea muy compleja y difícil, explicar unos hechos que han dado la vuelta al país y que han sido muy controvertidos de la manera más escéptica posible, intentando no entrar en un posicionamiento político.

Con una estructura y un montaje muy interesante y acertado, consigue narrar un relato con muchas vertientes de maneta inteligente y muy clara. Un escenario sencillo, pero preciso para el movimiento de los intérpretes en el escenario y la creación de los espacios necesarios para el relato. Toda la apuesta teatral es magnífica y cuida al detalle aquello que quiere explicar.

Nagore González, Egoitz Sánchez, Aitor Borobia y Ane Pikaza, son los Guardia Civiles, sus novias, son el pueblo, los acusados, las abogadas, la jueza… y en cada papel se transforman completamente. En ocasiones algunos de estos personajes llegan al límite del estereotipo y flaquean, pero acaban reconduciéndose.

Sánchez y Borobia tienen una dificultad añadida en su cambio de rol intenso e instantáneo, de víctimas a acusados en cuestión de segundos. Este salto de actitud y de personalidad se realiza con una facilidad que deja asombrado al público. Goiricelaya consigue de manera simple -una sudadera- que el salto de personaje quede claro visualmente en un texto con mucho ritmo e intensidad.

La tensión y la emoción de la historia va creciendo a medida que la espectadora va entrando en la vorágine de los hechos y su narración. Un relato que se va construyendo rápidamente con claridad, atrapando al público con cada personaje.

Historia reivindicativa que aboga para trabajar por la convivencia y el entendimiento. Intensa y con un final vibrante, va construyendo un marco emocional que provoca que a más de una persona del patio de butacas le caiga alguna lágrima cuando todo acaba.